对于绘画，不知道是不是很多人和我一样，是抱着深深的敬畏的，总觉得那是高雅的艺术、文艺青年的标配，我们这些普通的吃瓜群众，能看懂什么呀？
还记得中学的美术课上，无论如何都素描不好一个看起来无比简单的圆和长方形，从此宣告自己跟美术缘分落尽。后来在朋友的影响下，越来越喜欢去美术馆、博物馆这些地方，当然我是不可能说出个一二三的，也就是单纯的觉得好看，觉得赏心悦目，或者觉得好玩儿。
后来慢慢的，那些朴素的、华丽的、夸张的、细腻的、写实的、梦幻的笔法和表现形式，常常让我着迷，它们塑造着不同的人物场景，表达着不同的情感诉求，加上美术馆巨大的空间，喜怒哀乐，善恶美丑，唯有你，唯有我，在无涯的时间里，静静的对望，我们像是多年的老友，互相诉说自己的故事。艺术的魅力，大约在于深深浅浅地勾起你往日的回忆，触动你深深埋藏的情感，带给你震撼和启示。
我经常在想，如果能够懂得一些美术的常识，一定能更清楚透彻的理解这些作品，那么，《绘画观赏（剑桥艺术史）》这本书，就是我所寻找的“教材里面最浅显易懂”的一本了，作者通过大量的实例，生动形象的向我们讲述了一些看画的基本要素，讲了一些我们耳熟能详的那些世界名画到底都是好在了哪里。
那下面我们通过一组简单的“四部曲”来了解一下如何更有范儿的观赏一幅作品：
首先，我们可以了解一下作者为什么要画这幅画，是为了记述生活的画面、记载宗教故事还是为了表达某种寓言？这幅画有名是因为开创了某种绘画门派还是其表现技法尤其出众？比如《拉撒路的复活》，这是早期基督教教堂中的马赛克镶嵌画，讲述的是耶稣向世人证明“他是上帝差遣来拯救众生于苦难”时的场景。当时拉撒路已经去世四天了，耶稣举目望天：“父啊，叫他们相信是你差（chai）了我来”，他大声呼唤道：“拉撒路出来”！于是死去的拉撒路就从墓室里出来了，手脚还裹着布，画面中的耶稣身穿紫色长袍，目光坚定，而耶稣旁边代表众生的路人甲则惊讶的举起了手。
作为教堂的装饰，这幅画服务于什么目的呢？原来啊，在创作这幅画的6世纪，很多人都不识字，教会为了将《福音书》的教导传播到每个人的心里，通过让无知者观看这些内容浅显的绘画，来让更多的人了解一些《圣经》的内容。教皇大格列高利曾经宣称：“绘画对不识字的人来说，犹如书籍对能读会写的人那样”。可见在人类生活的早期，绘画作为传播知识的媒介，占据着多么重要的地位。
其实还有一些画啊，并不是为了展现什么现实的意义。我们可能都听过一个笑话，说是有个特别著名的画家，他随便把颜料往纸上一泼，拿出画室立即引来了无数人的追捧，当然这个笑话是为了讽刺我们对于名人的过度崇拜，但是现在啊，真的就有这样一类的绘画：画家在画布上挥洒颜料，来借此展现自己创作时的动作记载。纽约大都会博物馆收藏了一幅特别有名的《秋韵》，作者是美国画家杰克逊·波洛克，这幅画就属于这样的类型，它的创作是为了展现艺术家创造性的活动和身体的力量，向观众传达他在费力创作这幅画时的生理和心理活动。
观赏绘画的第二个方法，就是了解作品传达了什么样的文化背景。比如我们刚才说的《拉撒路的复活》，体现的就是父权制的文化，在这种文化中，有知识的少数人向蒙昧无知的民众传播知识。对早期的基督徒来说，宣扬基督的理念是一件非常重要的事情，绘画所表现出的简单易懂的故事，则让这种相对较新的理念更加容易为人们所接受。而那幅抽象的《秋韵》则告诉我们，在我们这个时代，艺术家的个人看法和行为艺术是受到保护的，他们可以自由而创造性的表现自己。
观赏绘画的第三个方法，可以看看作品是写实，还是抽象地表达了某种意义，《拉撒路的复活》里面，其实作者就不是很在意人物是否丰满，五官是否协调，就连代表众生的形象也只用了“竖起手的一个人”作为代表，画家想要做的只是将圣经的故事讲的活灵活现，而《秋韵》的作者则是用油彩来表白自己感情中的某些东西，而不是实实在在的记录眼前的事物。
第四个方法，是考虑作品的构图设计，看作者如何使用颜色、如何运用形状。如布隆齐诺的《寓意》，维纳斯和丘比特组成画面左下角一个显眼的L，快乐男孩与时间之父的手臂组成了右上角的倒L，这两个L与画框的形状相配合，保证了构图的稳定。画面中人物形象的刻画，作者用了青蓝、青绿和深蓝来表现人物的冰冷、坚硬，用雪白和柔软的线条来表现人物身体的光滑丰润，用大量的冷色调中和画面中温柔、热烈的姿态，不致引起观者的邪念，这种形式、色彩和主题之间的张力，为主题中显性与隐性意味的微妙讽刺增色不少。对构图进行分析，能帮助我们更好的理解作品，让我们看到艺术家为了达到他所追求的效果而运用了哪些方法。
接下来，我们通过实例来了解一下风景画、肖像画、风俗画和静物画、历史与神话、宗教画、平面装饰画这几种不同类型的绘画:
风景画
首先我们来看风景画，风景画主要是通过不同的视角和色彩来展现大自然的形态，来表现某种意境或者凸显某个主题。比如大家耳熟能详的莫奈的那幅《日出·印象》：早晨的薄雾中，太阳冉冉升起，小船在朝霞中波光粼粼的水面上静静地飘荡，整个画面营造出一种沉静、美好的气氛，可以想象这可能是打鱼的船家撑着长篙正在准备出海，繁忙的港口即将慢慢苏醒！据说这幅作品刚刚展出的时候，还因为画面中景物模糊不清而遭到批评，那些批评家还给莫奈所属的这个运动取了个诨名叫“印象主义”，这也是印象主义这个词的由来，没想到吧？
荒诞派大师萨尔瓦多·达利有一幅特别有名的作品叫《记忆的永恒》，远景是看起来还算正常的峭壁和大海，海边有一块闪亮的玻璃板，再往近处是似乎无垠的平面，上面放着些让人看着就觉得恶心的形状：一个巨大的箱子，箱子上长着一棵枯死的树，树干上挂着一块瘫死的钟表，箱子的边缘搭着一块变形的钟表，钟表上面是一只让人恶心的苍蝇，还有一块表上面落满了寻找食物的蚂蚁，箱子旁边似乎是一个死去了很久的马的尸体，尸体上同样瘫着一块变形的钟表，整个画面充满着让人毛骨悚然的绝望气息。
肖像画
接下来我们看肖像画，肖像画之所以受到人们的青睐，原因不外乎两个：一是被画的人希望能为后世留下他们的尊容；二是看画的人希望看到那些在历史长河中引起自己情感触动的人长什么模样。有的人花钱请别人给自己作画，有的画是为了纪念某些重要的时刻或者重要的人物。
肖像画不一定要和人物完全一样，一个人长的怎样是一回事，但是他希望自己看起来是怎样则是另外一回事，有时候，后者比前者更重要。比如克鲁埃和提香都曾为法国国王弗朗瓦索一世做过画像，但是在克鲁埃的画中，国王衣着华丽，其形体主宰着画面，看起来跟普通的贵族没有什么区别；而提香的画作中国王的头部大胆的转动，王者的风度和权威的架势体现的淋漓尽致，自然更受人们的欢迎。在这种涉及政治情况下，一幅画最重要的是展现人物的性格特征，而他本人的面貌如何，或者他愿意看到自己是什么模样，就没那么重要了。
有时候被画者不在画家眼前，通过想象，也是可以创作出感人的作品的，比如伦勃朗的《亚里士多德和荷马半身像》。亚里士多德是公元前4世纪古希腊著名的哲学家，伦勃朗自然无法一睹哲人面容，虽然历史上有很多亚里士多德的雕像流传下来，但是伦勃朗通过自己切身的经历，将人物复杂的性格和忧伤的表情表现了出来，画面中，亚里士多德像宫廷大臣一般，左手抚摸着象征王室宠幸的金链条，事实上他曾一度担任马其顿王亚历山大大帝的私人教师，右手放在荷马的半身像上，深沉的凝视着远方；荷马，这位伟大的游吟诗人，他的作品深刻的影响了希腊文化，他笔下的英雄阿喀（ka）琉斯是亚历山大非常崇拜的偶像，据说画面中这副荷马的雕像创作于荷马逝世600多年以后，自然也不是荷马的真容，但是却让我们感受到了荷马坚毅的性格，成为了最值得怀念的古代雕像雕刻。
风俗画
这类作品对我们来说最浅显易懂不过，一般表现的是我们生活中的场景：喧闹的酒吧间、吵嚷的家庭聚会、优雅的娱乐场所、繁忙的工作车间等等，比如16世纪老彼得·布鲁盖尔的《收获》，生动地描绘了当时人们收秋劳动的场面：一些人在忙碌的收割，一些人在将割好的麦子捆扎成束；一群人围在一起，享受着劳作之后吃喝的乐趣，似乎还在讨论今年的收成有多好，要用富裕地银钱做些什么；中间有个筋疲力尽的农民，舒展着四肢躺在树下享受短暂的睡眠，也许在梦里，都是金灿灿的收获！
伦勃朗早期的作品《学步》，画面温馨极了，一个蹒跚学步的孩童，似乎对迈出脚步还有些胆怯，两只小手牢牢地抓着母亲和老祖母，生怕不下心摔倒，长辈们温柔的看着孩子，似乎还在说着什么，应该是一个温柔的教导吧，告诉他不要怕，放心的往前走，无论什么时候，家人都是他最坚强的依靠……这样温暖的场景，我们最熟悉不过了，每个人小时候都经历、得到过这种无私、纯洁的爱，母亲的谆谆教导，祖母慈爱地叮嘱，那些沉淀在记忆深处的回忆慢慢浮起时，是不是心里有些柔软的东西被触动到了呢？
静物画
静物画以所有无生命的物体为题材，画家通过合适的摆放和对光影的处理，使其具备艺术的特质。我们非常熟悉的塞尚，他就是一个非常卓越的静物画画家，他对寻找物体表象后面的几何图形非常感兴趣，而且能把画中物品排列的井井有条，充满美感。一个玻璃杯、一盘水果、一块起皱的布等等，塞尚就是有办法将他们摆放的充满了美感！可以想见，这应该是一个温馨幸福的家庭一角吧，似乎一个穿着白色围裙的主妇正在旁边的灶台忙碌，等待着丈夫和孩子劳作归来。
历史和神话
绘画除了装饰作用，还经常用来记录历史事件，《贝叶挂毯》记录了1066年诺曼底的威廉征服英国这件事前前后后的场面，《1808年5月3日》记录了西班牙的爱国者英勇为国捐躯的场面，《苏格拉底之死》讲的是苏格拉底喝下狱卒端来的毒酒之后众人哀戚的场面，《格尔尼卡》讲的是战争中生灵涂炭的画面……在照相技术出现之前，这些绘画向我们呈现了很多年前的历史场景，为我们留下了非常珍贵的历史资料。
在绘画中，异教世界和古典神话中的精彩故事一直占据着非常重要的角色，通常都是通过故事来向众人传达某一精神理念。像我们熟悉的《帕里斯的审判》、《马尔斯和维纳斯》等等都属于这一类型。
阿塔兰塔得到神的告诫不能接受别人的爱，为了拒绝那些源源不断的追求者，她提出谁跑的比她快谁就能娶她，她是世界上跑得最快的人，别人怎么可能比的过她？可是深深爱慕她的希波墨涅斯不服输啊，比赛开始后，阿塔兰塔很快就遥遥领先，希波墨涅斯眼看着自己被甩在了后面，于是他扔出手中的一个金苹果，阿塔兰塔受到金苹果的诱惑，停了下来去捡，结果就被希波墨涅斯后来居上，但是阿塔兰塔毕竟是世界上跑得最快的人啊，怎么可能捡个苹果就输了比赛呢，很快她就又超过了希波墨涅斯，这时候希波墨涅斯又扔出了第二个金苹果，这幅有名的《希波墨涅斯和阿塔兰塔》画的就是阿塔兰塔捡第二个金苹果的场面，画面中人物的神采与形态都刻画得非常生动，后来希波墨涅斯用同样的手段诱惑阿塔兰塔去捡第三个金苹果从而赢得了比赛，顺利抱得美人归！
宗教画
在天主教盛行的一千多年里，无数艺术家受到教会委托制作宗教主题的祭坛画、彩色玻璃画、马赛克镶嵌画、壁画、圣经中的插图和装饰画等等，这些宗教画内容一般来自《新约全书》，尤其是基督早年生活的描写、有关他的奇迹、耶稣受难和复活、圣母子的故事等等。这里跟大家聊一聊乔凡尼·奥帕罗的《圣母领报》吧，这是宗教画中最流行的题材之一，天使加百列恭敬的像童贞玛利亚报信：“蒙大恩的女子，我问你安，主和你同在了，你要怀孕生子，他叫耶稣，是至高者的儿子”，玛利亚谦卑而又虔诚的聆听着天使的教导；画面的左边是亚当和夏娃因为偷吃禁果被驱逐出伊甸园的场景，代表着人类的堕落，上帝要用亲子耶稣的受难来拯救人类的苦难。更多圣经的故事，大家可以看看亨德里克·房龙的《圣经的故事》，写的非常生动！
平面装饰画
最后，我们来看看平面装饰画，一般是在平面上画出平面图形，注重线条与色彩的和谐，借此达到装饰的效果。马蒂斯的《红房间》里，我们看到红色的背景上有着典雅的装饰图案，旁边一扇明亮的窗户向我们展现着窗外生机勃勃的景象，一位美丽的女士正在整理果盘，画面似乎违背了体积和纵深的规律，但是这又怎么样呢？绘画不一定需要和具体的事物完全一致。作为装饰，美就够了不是吗？
皮埃特·蒙德里安有一幅作品叫《红、蓝、黄三色图》，整个画面只用了正方形这一种简单的几何图形，但是画家通过巧妙的布局和色彩的搭配，大胆的追求着用色对比方面的探索。
从远古壁画厚重的历史感到现代艺术的新潮独立，从生旦净末的喜乐到行草楷隶的韵味，最后我想说，懂与不懂，都不重要，重要的是，你来了，站在这里，感受着绘画带给你身心的放松和愉悦，无论是巨大的震撼或是温润如玉的往事如歌，抑或是那些不易察觉却真实存在的细微朴素的感动，这里都是我们忙碌世界里休憩心灵的家园！
在现实世界的万千矛盾中，这是一个虚拟的世界，这也是一个理想的世界，这里寄托着无数的情感，这里展现着百态的人生，于世事纷扰、柴米油盐之外，给你一段时光的纯粹！
