前言就说，不是拍摄“有人”的照片，而是拍摄“关于人”的照片。

《拍出大师之作——人像摄影》是摄影师亨利·卡罗尔所著，为《拍出大师之作》的后续。

延续第一本书的风格，同样没有令人望而生畏的图表，没有复杂的技术图，没有摄影专业术语。

就如同书名《拍出大师之作》所说，这本书列举了50位摄影大师的代表之作，从照片中学习有关构图、取景、光线和镜头的基本知识。难得的是，作者语言平实，丝毫没有艰涩的技术行话。

50位摄影大师，各自有着拍摄人像的独到风格。我们可以从他们那里学到实战拍摄技巧，并立刻拿起自己的相机，将这一切付诸实践。

我认为作者大概是按照构图、内容、色彩、光线四个方面来写的。

关于构图，最重要的两点，一是相信直觉，二是敢于打破规则。

书中仍然列出了一些规整的构图法则，例如三分法，视觉空间法，框架的运用，还有不带摄影师个人感情色彩的中立人像构图法。（中立构图法则：脸部肖像相机与鼻尖齐平，四分之三肖像相机与胸部齐平，全身照相机与腰部齐平。）

作者一再强调，规则不是最重要的，最重要的是相信你的直觉。如果你认为某一种不常规的构图才能表达你对这个人的看法，那就应该跟着你的直觉走。

比如，不一定总要突出拍摄对象的脸，可以拍摄他的身体的局部，如果这个局部可以突出人物的特点。甚至人物可以完全不必出现，只是拍摄他用过的物品。

拍人的时候，背景和人物同样重要。作为摄影者，应该一半的注意力在拍摄对象上，一半的注意力在背景上。

这关乎构图，构图就是使各个层次上的物体协调，考虑画面中每个存在的事物是不是都“有话要说”。

关于拍摄内容的选择，作者的观点可以帮助我们摆脱千篇一律的、毫无特点的照片，拍出能真实反映人物的、特别的那一张。

我从书中学到了“意向并置”的概念。我们要去训练自己的眼睛，敏锐发现生活中的意向并置，可以先从最容易发现的意向并置——对比开始——比如富与穷，胖与瘦。

关于人物的面部表情，“不要让拍摄对象戴上微笑的面具”。我们要耐心等待，等待拍摄对象“默认”表情的来临。默认表情，是在他们意识不到相机存在，而流露出的最自然的表情。

如果摄影师能够使用长焦镜头，和拍摄对象离开一定距离，是有帮助的。

如果要互动，摄影师可以通过让拍摄对象做一些有趣的事情，比如跳跃，比如躺在地上，让他们从自己正在被拍摄的想法中抽离出来。

我的经验是，如果拍三岁以下的小孩子，可以给他们一个玩具或者棒棒糖。

有的摄影师会设置一个场景，一个互动模式，一个可能让拍摄对象不那么舒服的场景，但是却可以捕捉到他们真实的，和人前不一样的一面。

很多人像摄影师强调，一定要让拍摄对象舒服，这不是铁律。

我们拍群体人像时，总是热衷于让每一个人都看向镜头，微笑。但是群体人像最重要的一点，“是捕捉到每一个个体的独立性”，看不看镜头没那么要紧。

街头摄影，作者给了一个很有效的建议，是我们可以立刻做到的：找到合适的拍摄地点，比如一个十字路口，或者一个修路地点，然后等待，等待合适的戏剧性的一幕。“只要找到了合适的拍摄地点，剩下的一切都是水到渠成。”

对于布列松的“决定性瞬间”观点，作者说，街头摄影并非总是关乎“抓住瞬间”。我们可以看到，美国摄影师罗伯特·弗兰克就创立了“非决定性瞬间“的理论和创作方法，同样非常成功，拍出了反映时代的伟大的照片。

关于拍摄同一个人，尤其是关于家庭成员的，“保持连贯性是反复拍摄一个拍摄对象的关键，突出拍摄对象的变化。”在亲子摄影中，这个方法尤其有用。设置一个同样的场景，每隔一个月，或者一年，给孩子拍一张，以此来突出成长。

关于色彩和光线，作者提出，作为一个摄影师，观察事物的时候，要把对象看作散落的色块。

这些色彩中，我们要特别注意红色，因为这是最夺人眼球的颜色，一张照片中，主体若是红色，能自然凸显出来。反之，就算主体面积最大，若背景中有红色物体，即使面积极小，也会分散走对于主体的注意力。

色彩包括影调。避免阳光直射，尽量选在光线柔和的阴天拍摄，是营造中性影调最好的办法。

此书在摄影上给人的最大启发在前言里，“你需要认真思考的是，关于你自己以及你和他人之间是如何产生联系的。”这和技术无关，和器材无关，却点出了摄影的本质。

所以，对于拍摄的人来说，拍摄时那咔嚓一下不是最重要的，光圈快门等技术因素也不重要。最重要的都在前期，你要表达什么，如何选择拍摄对象和时机，拍摄之后要反思，作品有没有表达出你想表达的东西。

拍摄时的一下，不过是水到渠成。

这本摄影书，我打五星。所选图片大部分经典耐看，跟随作者的思路读完此书，既能学到技艺，又能引发思考。