在宋朝印象派的文人画终于奠定了基础。文人画（士人画），中国封建社会的士大夫，文人画是一种与画院的专业画家所作的院体画相对的概念。苏东坡认为技法固然很重要，但技法是为画家的独立思维服务的，只强调技法，再逼真的描绘，也只是画匠，不是画家，艺术家所表达的。不仅仅是物质的自然形态，而是人的内心世界，是艺术家的内涵。“君子可以寓意于物。而不可以留意于物。"认为"言有尽而意无穷"，才是艺术的至高境界。
宋代画山水讲究平远高远深远，这是宋初郭熙的总结。欧阳修走的是平远之路，苏询走的是深远之路，苏东坡走的是三远兼备，在平远中加入了深远与高远。
逸者必简，宋代的文人画家，把世界的层次和秩序，都收入这简单的墨色中，绘画进入了哲学式的深邃空灵。
在宋之前，中国制墨都是以松木烧出烟灰为原料，称松烟墨。这种制墨方法，要选择肥腻粗壮的古松，其中黄山上的黄山松，是制墨的上好原料，它带来的后果使许多古松遭到砍伐，对自然资源造成极大的伤害。
到了宋代油烟墨的创制，被称为是宋史上最杰出的成就。
优质的松烟墨，还要加入麝香，梅片，冰片，金箔。
墨汁永远不可能画出宋代水墨的丰富，因为墨汁中掺了太多的化学物质，所以它的黑色是死掉的黑，可是在宋代，从画中我们看到的不是黑。而是透明，黑色的变化中，我们可以看到水的游动。
苏东坡的美学理想就是怀素。他追求的是，历经风雨之后的那份从容淡定，喜欢平淡之下的暗流涌动，最喜欢收束于简约中的那种张力。"回首向来萧瑟处，归去，也无风雨也无晴。“"五色绚烂，渐老渐熟，乃造平淡。“无论是定窑的"白“。还是汝窑的"雨过天青"。大道至简，越简单越难。
这一场观念的革命影响了此后中国艺术1000年，到了元代有赵孟頫，有元四家（黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇）。到了明代有董其昌，有明四家（沈周、唐寅、文征明、仇英）。到了清代有四僧，原济（石涛）、朱耷（八大山人）、髡残（石溪）、渐江（弘仁）。
文人画的理想仍在山高水远中延展。17世纪70年代的龚贤，从"繁复皴擦，巨碑式的山水画风中走出来，转为萧寂疏减，每一笔都到都起到书法性和叙事性的作用。"将大道至简的风格推向了极致，他的题字也多因题字而显得苍白涩淡。
比如米友仁的《潇湘奇观图》，不见院体画的富艳细腻，只有烟雨空蒙，云卷云舒，在烟云稀薄的地方，露出峰峦与杉树，仿佛随时又会被烟云吞没。到了商业已经很发达的元明，许多画家仍然不放弃一个文人的艺术取向，在山水烟村中，依稀可见画家内心深处的潜流。
文人画没有一个明确的界定，但它作为一种观念，已深深地沁入千年的画卷里，提醒画家不断追问艺术的最终本质。
直到19世纪后期，西方的画家才不再对科学的透视法亦步亦趋，而更加重视自己内心的感觉，开启了主观艺术的大门，如野兽派立体派未来派应运而生，"他们都与透视画法绝缘，致力于个性表现，现代画法再也不依据科学的透视画法作画了，而是依据画家个人的知觉来作画。
故宫博物院收藏的《珊瑚帖》，上面草草地画着一幅珊瑚的笔架，几乎是米芾最接近绘画的遗物了。
苏东坡的画流传到今天，也只有两幅，其中一幅《枯木怪石图》。
此图“树石以枯笔为勾勒，不拘泥于形似。“苏东坡除了喜欢画石，还喜欢画竹，“宁可食无肉，不可居无竹。"竹有七德，曰正直、奋进、虚怀、质朴、卓尔、善群。墨竹是一种，唐末五代就开始流行的画法。竹叶画法因与书法的笔法近似，因此在梅兰竹菊四君子中，最容易被文人掌握。墨竹画成为北宋文化的一个重要分支。
文同画竹，以淡墨为叶背以深墨为叶面，这一技法。不仅为苏东坡米芾所延续，到了元明，仍为画家所遵奉。
苏东坡的绘画中的“木石前盟"。即将石头与竹子相结合的图像构成。
梅兰竹菊四君子，苏东坡专门画竹，不见得画梅，但他的诗中有梅。苏东坡这首11月26日，松风亭下梅花盛开被纪晓岚叹为“天人之姿，非此笔不称此花。"
故宫中有杨无咎的四美图或雪梅图。杨无咎的墨梅，黑白中营造出绚丽耀目的光彩。阳性的枝杆挺拔粗砺，阴性的梅花圆润娟秀。渊静的黑与纯净的白，彼此映衬和成就，各有风骨。
正如王维的辋川别业，杜甫的杜甫草堂，苏东坡的雪堂，只为五间普通的农舍，用来接待远方的朋友。故宫博物院藏有，南宋画家夏圭的《雪堂客话图》。画的虽不是苏东坡的雪堂，可以窥见苏东坡黄州雪堂的影子，画面左上角留出的天空杳渺无际，把观者引入深远渺茫，意蕴悠长的境界。
