周末跟灵魂之友交流时，她提到了一点：看到普通的生活场景也能想到知识，而不是看到知识，只能回想起生活。

今天在知乎上看到多位乐评人写的音乐分析，又跟他们私信交流后，有些感悟，记录下来。

最近听了几首歌，知道写得很好，但是旋律不抓耳，很难记住，我有些不明白该如何欣赏这类音乐。

今天在知乎上找寻相关资料时，发现不少文章都提到：

好听的旋律容易得，但跳出框架还能好听的旋律才有成为经典的可能性。

我们的听众，只听所谓的悦耳旋律，却不知道很多悦耳旋律甚至都是可以批量生产的。

什么样的旋律最悦耳？五声音阶的，配上那个4536251的和弦套路，绝对能对国人产生一种原始的吸引力。

但凡用了4和7，或者是在和弦里面用了一些并不那么和谐的音程……我们的听众都会自发抵制。

这也就是我最近发现的一个问题：我们听通俗一点的音乐，很容易记住旋律，跟着哼唱，随之觉得这类歌曲很不错，喜欢多听类似的。而遇到一些加入了布鲁斯或者爵士风格的音乐，听了很多遍也记不住旋律，自然而然地就放弃了，并且在心里开始抵制这类音乐，不爱听了。

实际上，在电子化音乐日益流行的今天，有这样几张能用来怀旧的布鲁斯打底的复古专辑，这是多么可贵。

布鲁斯，尤其布鲁斯吉他，放到今天是一个相当复古的风格。这个风格非常带感，但与此同时非常要求音乐人的功底，任何一个声部没写好都会非常难听（b3、b7很多容易打架）。

做音乐，应该是在不断探索前行的，而不是守着固有的套路创作。

我又搜索了几则关于作曲、编曲和混音的解析文章，这才知道作曲跟演唱者唱功有很大关系。

如果演唱者的音域很宽，那么作曲相对自由，可以通过拉开音域体现歌曲的情绪张力。如果演唱者音域受限，作曲时可以在副歌部分加入切分音或者通过更多的转调来让歌曲更具有起伏性。

这也就是我最近听歌的一个感受：有些歌，听着觉得曲调简单易学，学唱时发现转调太多了，甚至有很多颤音。

当时我不明白为什么会这样设置，以为只是创作者的一种风格。现在才知道，这是使歌曲更具有律动感的一种方式。

至于编曲，是在有了最初的曲调之后进行二次创作。编曲决定这样的曲调用什么乐器演奏，哪种乐器在什么位置，什么声部等等。

混音是在录制了人声和乐器伴奏之后将各音轨融合成能够完整呈现的歌曲，既能够表达创作者想要的情感，又能够使各种乐器发挥出最大的作用。

总得来说，很多歌曲传唱度不是很高，但是其艺术性和思想性是到达了一定的高度的。

音乐也是一门学问，创作者不能永远停留在各自的舒适圈里。音乐是需要不断创新的，很多艺术性和思想性高度融合的歌曲的创作都是没有先例可循的，它们的出现，在一开始也被听众归为“不抓耳不耐听的音乐”，但是它们的价值不可被否定。

甚至在历史上，很多一开始不被欣赏的音乐都是之后的突破的开端。

任何领域都需要我们跳出舒适圈，一开始的转变是艰难的，但这是值得的。