朗费罗说“音乐是人类的共同语言”，一首好的音乐，完全可以跨过种族、国界、语言的障碍，引起聆听者的共鸣。但是，这种“音乐语言”，却又无比抽象，不可诠释，如果你要问“一首好的音乐作品的评判标准是什么？”或者问“一首音乐的内涵能够用语言来讲清楚吗？”之类的问题，恐怕没有任何人能够回答。德彪西的《月光》纤细完美，使每一位聆听者产生愉悦的情绪，但《月光》是用钢琴声响来陈述的，不能翻译成任何一种语言文字，因而没有人说得清这几分钟的钢琴声响具体内容是什么，更无法说清德彪西谱写《月光》的标准是什么。
基于音乐的不可诠释，艾伦·科普兰（美国人、音乐教育家）认为：爱乐者应学会“明智地”欣赏，在欣赏音乐的方法上，不要指望找到“正确的”或者“唯一的”答案，找到“明智的”就足够了。
科普兰提出许多“明智欣赏”的方法，其中最著名最实用的，就是把音乐欣赏划分为三个阶段：美感阶段、表达阶段、纯音乐阶段。
音乐响声刺激人的听觉器官，使聆听者产生最本能和最自然的好感，好比你听到山林间鸟类啼叫的声音、女孩子甜美的嗓音，听觉本能就产生好感。同样的道理，听一首门德尔松的《小提琴协奏曲》、肖邦《夜曲》之类的作品，也比较容易激发聆听者的好感。能够产生这种“好感”，是音乐的美感对你发生了最直接的作用，使你不能无动于衷，－－这种体验就是“美感阶段”了。
在美感阶段，聆听者无须了解音乐的作者、谱曲的年代和相关的历史，更无须深究乐曲的内涵，不懂乐理毫不要紧，甚至连音乐作品的名称也可以不知道，只有耳朵直觉的“好听”是唯一的标准，好听就继续听，不好听就换唱碟！什么是“好听”呢？按科普兰的意思，大约是这样的－－首先是具有“歌唱性”，某首作品的乐思、旋律清晰，可歌唱而且能够轻易摹仿着唱出来，例如里姆斯基·科萨科夫《天方夜谭》、拉罗《西班牙交响曲》；其次是“抒情性”，某首作品容易使你受到某种特定情绪的感染，或童真、或欢乐，或爱恋、或悲伤，或愤怒，例如肖邦《第一钢琴协奏曲》、萨拉萨蒂《吉普赛之歌》和莫扎特多首协奏曲作品；还有“戏剧性”，某些乐曲的节奏、旋律起伏非常引人瞩目，冲突、对比的音响效果非常出色，与观赏一幕戏剧具有近似的效果，例如德彪西交响素描《大海》。
科普兰说，欣赏音乐和进行分析，经常苦于找不到合适的词语。所以我想，通过音乐的“歌唱性、抒情性、戏剧性”，去诠释“好听”的具体含义，也不会是“完全正确”或者“唯一”的解决方案，但不失为明智选择。当一首音乐出现“歌唱性、抒情性、戏剧性”当中的一种或多种，聆听者的好感就随之产生了，就有了继续听下去甚至再听一次、反复地听多次的兴趣。
无疑，大多数人可以轻易进入“美感阶段”欣赏音乐，可惜这是一种无意识的体验，科普兰告诫我们：“不要以为音乐的价值相当于它诉诸美感的程度，也不要以为最好听的音乐是由最伟大的作曲家写的。”明智的聆听者不要在美感阶段走得太远，要发展到新的阶段，要将欣赏体验从无意识逐步过渡到有意识，否则难以接近音乐的真正内涵。
但是，“表达阶段”就不是大多数人能够进入了。因为“表达阶段”涉及到音乐的涵义问题，究竟音乐有没有涵义？作曲家要么回避这个问题，要么说：我写作的音乐就是纯音乐，没有什么涵义不涵义的！科普兰似乎采取折衷的办法，认为聆听者或多或少、或强或弱地，能够从音乐中感知到其表达的涵义，但什么是音乐的“涵义”？科普兰直截了当了回答：不能用语言描述！－－我不得不怀疑，他这么果断的回答也是出于“明智”起见，因为科普兰明明给出了一条理解音乐“涵义”的思路－－
他说：如果从著作者（对于音乐作品来说就是作曲家）出发去研究艺术作品，小说家可以给我们讲故事，雕塑家可以给我们临摹大自然，建筑设计家可以给我们施工的图纸，－－都具有实际的用途，对比之下音乐作品给了我们什么实际用途呢？“我看似乎只有一种可能，他（作曲家）把他自己给了我们。”科普兰的意思是作曲家把自己个人的精神变成乐曲音响的陈述，“要永远记住，当你聆听一位作曲家的作品时，你是在听一个人，一个具体的人连同他特有的个性”。那么音乐的“涵义”就是因人而异的。如果我们了解某一作作曲家的生平、思想、时代、历史，对理解他的音乐作品“涵义”的就肯定有不小的帮助。例如贝多芬《英雄》、《命运》、《欢乐》，德沃夏克《自新大陆》，西贝柳斯《芬兰颂》等等。
这么看，聆听者进入“表达阶段”，已经得到有意识的欣赏体验了，但这种体验毕竟还是音乐以外的，只能算是初步的、浅度的“有意识”。如果你希望自己的欣赏意识进入音乐的纵深，还有待向最后的阶段发展。
接下去的“纯音乐阶段”，尽管音乐家最有把握说得清楚，科普兰也讲得最详尽，不过，能够进入这一阶段的人却很少了。－－我要声明一下，从本段开始对“纯音乐阶段”的讨论内容，仅适用于我们中国，出类拔萃的美籍华裔杨振宁和我们国的教育部官员都说过，中国教育的成就是全世界最高的。学生从小学到大学基本都不需要上音乐课。至于教育成就没有我们国家这么高的国家究竟适不适用？我就不得而知了。
照科普兰的介绍，在“纯音乐阶段”，聆听者要从作曲家谱曲过程、音乐的要素（节奏、旋律、和声、音色）、音乐的织体、音乐的结构（曲式）、音乐体裁等专业角度，去欣赏、理解音乐，完全有意识地进入音乐的本身，而不是留连在音乐周围的一些人文领域（作曲家生平、社会背景等等），真正接近音乐价值的内核。－－这样欣赏音乐的条件是：具备（相当于）大学音乐系的水平，最好是作曲专业或指挥专业。
科普兰对“纯音乐阶段”讲得非常透彻，但大多数聆听者会感到困难。我认为，除非你想成为作曲家或指挥家，或想成为专职乐评人，否则进入“纯音乐阶段”的可行性、必要性都有问题，能进则进，不要勉强。我想用电影做一个不太恰当的比喻，欣赏电影，无论《E·T》、《黑客帝国》还是《阿凡达》，皆存在导演、摄影、制片之类比较专业比较高端的欣赏角度，－－那是詹姆斯·卡梅隆们少数人的事情，我们可以不去理会它们，大概也不至于明显降低观赏影片的水平。
我们都相信音乐不能用语言诠释，但按照科普兰给出的思路，可以比较清晰地感知它的逻辑，－－使我们具体地知道欣赏音乐的方法。科普兰活到九十岁（1900－1990），他身兼作曲家、指挥家、钢琴演奏家多种衔头，现在经常在音乐会听到的作品有《阿帕拉契亚的春天》、《牧区竞技》、《第三交响曲》等，还有我们很熟悉的《凡人鼓乐》。
科普兰语录
如果你要更好地理解音乐，再也没有比倾听音乐更重要的了。什么也代替不了倾听音乐。我这本书所讲的一切都是关于在本书之外才能找到的体验。除非你下定决心倾听比过去多得多的音乐，否则读这本书可能是白费时间。
我自己认为，所有的音乐都有表达能力，有的强一些，有的弱一些，所有的音符后面都具有某种涵义，而这种涵义毕竟构成了作品的内容。全部问题可以用下面的问答式简单地加以说明：“音乐有涵义吗？”我的回答是：“有的”。“你能用言语把这种涵义说清楚吗？”我的回答是：“不能”。这就是症结所在。
我们的听众已习惯于把十九世纪音乐的浪漫主义看成是音乐艺术本身。
当你感到一首当代作品显得枯燥和纯理性，看起来缺乏感情或情绪的时候，很可能是由于你对本时代的典型音乐语言无动于衷。
如果我们更细致地研究一下这个有关作曲家的个性问题，我们就会发现它实际上是由两种不同的成份构成的：他天生的个性和他生活的时代的影响。
－－以上语录以及正文引用的内容，均出自《怎样欣赏音乐》（艾伦·科普兰著，人民音乐出版社中文版）。
