为了周末去看展，提前接受一下顾老师的科普。

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chapter1-7

【阅读提炼】

1.卡拉瓦乔：一幅油画只能表现事物的一瞬间。而卡拉瓦乔的厉害之处，就是他往往能抓住最重要的那一瞬间！将剧情定格在最高潮的那一秒！

代表作《鲁特琴乐手》 （Hermitage版本）The Lute Player 1596

成名之作《圣马太蒙召》。卡拉瓦乔把人们心目中的神和圣人，画成了普通人。正是这点，抓住了观者的心。

《圣经》这幅画用的是全黑的背景，这在当时是从来没见过的，也正是这个原因，让看画的人有一种“融入感”。画中的人物从黑暗的背景中浮现出来，而观众，好像就躲在黑暗中目睹这一幕的发生。这不正是今天电影院所营造的氛围吗？

把光影和戏剧性的效果在油画中发挥到了极致。

卡拉瓦乔追求的是把眼睛看到的东西直接搬到画布上，力求表现事物最真实的一面。

另外值得一提的是他画中挂着的那块红布，这块红布不断地在卡拉瓦乔的作品中出现，时而被披在身上，时而悬于半空。这块红布究竟有什么用？有人认为它使画面更加生动，有人认为这只是他画室中的一个装饰。这块红布更像是一个“签名”，让人一眼就能认出这是卡拉瓦乔的作品。

他的作品几乎从不签名，因为他知道他的画就是最好的“签名”。

值得深思的是，为什么他总是在人生的高潮期发生一些暴力事件；而每每当他身陷绝境时，却又能凭借他的画笔“杀”出一条活路来。

几百年后，人们渐渐发现他的伟大。他是文艺复兴向巴洛克时期转变的承上启下的人物。如果没有他，许多后来的大师和他们的作品就都不是现在这个样子。

2.光影大师伦勃朗：他的一生有一半时间都很衰，但这并不影响他成为西方的艺术史，乃至世界艺术史上的一个非常重要的强人！伦勃朗的肖像画，以精美的细节和他独创的光影效果轰动了整个画坛。这种光影效果，甚至被大量运用在了今天的摄影技术中。

简单地说，就是在被拍摄人物的45º角处放一盏灯。这种布光法，在今天被称为伦勃朗光。

伦勃朗光有一个很简单的辨别方法，就是在不受光的那半边脸颊上会出现一个倒三角(当然鼻子太塌的人可能没有）。

受到卡拉瓦乔的影响，伦勃朗渐渐摸索出了如何通过表情和动作，描绘出人物的内心。有人说，他能画出人的灵魂。用“戏剧性”来形容他的画再贴切不过。从光影到人物的神态，看伦勃朗的画就好像在看一部剧情跌宕起伏的话剧，让人觉得充满了故事。

《夜巡》这幅画画的是阿姆斯特丹的民兵连火枪手队。为什么这幅画会这么有名？因为“伦厂长”在这幅画中，将他戏剧性的光影效果发挥到了极致，也是他穷困潦倒的开始。

伦勃朗是个伟大的画家，他戏剧性的画风和独创的光影效果影响了无数后人。从另一个角度看，画“肖像画”只不过是他的工作，但没有《夜巡》，又有谁会知道那个民兵连？我想这正是伦勃朗的伟大之处，他能将“养家糊口的手艺”变成“流芳百世的杰作”，这就是画匠与大师的区别。

3.威廉·透纳：一个执着、疯狂、勤奋、爱较劲的奇才。

少年成名，由于过人的才华，14岁的透纳被破格招入了当时英国艺术的最高殿堂——皇家艺术学院；又因为他出众的画技，在15岁时，透纳就有作品被破格选入了美术学院举办的画展；26岁时，透纳又一次破格成为了皇家美术学院最年轻的正式会员。

“破格”这个词，不光可以体现出透纳的才华，还说明了当时社会对他才华的认可。透纳是个聪明的画家。这指的不光是他艺术上的才华，还包括他的做事风格。其实用“聪明”这个词形容他还不够准确，应该说，“比猴还精”。因为他先画受欢迎的东西，在得到名声和财富后，才开始画自己喜欢画的东西。但如果光以画风来看，他可以安静祥和，也可以疯狂澎湃，可以精雕细琢地写实，也能玩儿虚无缥缈的抽象。如果可以从绘画推断一个人的性格，那透纳绝对是个谜一样的男人，或者，也可以说是个人格分裂的两面派。在透纳之前，风景画只是作为宗教画的背景而存在，所以在画坛的地位并不高。透纳的出现，提升了风景画在整个画坛的地位，使它和宗教画以及肖像画站在了同一个高度。他在风景画中加入了故事，使画面看起来更加惊心动魄！

他的代表作之一《暴风雪：汉尼拔和他的军队越过阿尔卑斯山》。透纳爱画各种风暴，他笔下的风暴也总能给人惊心动魄的感觉。关于暴风雪的画法，还有一种说法，是透纳受到了当时新起的电磁学理论的影响。

透纳早期追求的是对“大海、太阳和火焰”的表现，在他的晚期则开始对“光、风和速度”这些虚无缥缈的东西感兴趣。

透纳是一个横空出世的奇才，他的天赋绝对不止1%，然而他付出了99%，甚至更多的努力。

他为了画好惊涛骇浪，曾把自己绑在暴风雨中的船桅杆上。为了画出火车的速度，他曾长时间地把头伸到飞驰的车厢外来感受风驰电掣。（幸好当时飞机还没问世……）

透纳的出现，将风景画在历史上的地位带上了一个绝无仅有的高峰。

4、和透纳的锋芒毕露不同，康斯太勃尔相比之下比较内敛、腼腆，很有些英国绅士的范儿。不光性格，他俩在画风和题材上也是大相径庭。但是他们却有一个共同点，那便是对风景画大师克劳德·洛兰的喜爱。如果说，透纳的风景画像一杯烈酒，让观者心潮澎湃的话，那康斯太勃尔的画就像是一杯英式红茶，适合在午后的阳光下细细品味和享受。

康斯太勃尔同时也是个很用功的画家，为了画好云朵，他像个气象学家一样研究云在不同天气下的形态，并且不断地练习。

康斯太勃尔有个作家朋友这样评论他的云朵：“看到康斯太勃尔画的乌云，让我有种想穿上大衣带上伞的冲动。”

《干草车》：除了他赖以成名的云和那似乎正在缓缓流动的水面外。最神奇的，是他在树叶上加上的这些小白点……瞬间使阳光洒进了画面中。这些康帅哥独创的“小白点”后来被人们称为“康斯太勃尔的雪花”。

艺术，讲的是感觉。康帅哥用反复画着相同尺寸甚至更大草稿的方法，来体会不同的细节、色彩和尺寸给观者带来的不同感受，最终打磨出一幅惊世骇俗的杰作。

对他一生影响很大的是妻子的离开，此后他画的最多的就是“双彩虹”。划过天空的两道彩虹看似美丽，却永远无法相遇，似乎表达着他再也见不到玛丽亚的心情。在玛丽亚过世9年后，康斯太勃尔结束了他61年的生命。

康斯太勃尔一生都坚持走他自己认为正确的道路，他独创的风景画画风影响了后来如印象派等许许多多的艺术家，并且留下了无数传世之作。但更为人津津乐道的，还是他与玛丽亚的那段忠贞不渝的爱情……

“世上没有任何事情能够改变或淡化我对你的爱，爱你已经成为我生命中的一部分，无论任何艰难险阻。”

5、莫奈：

伯乐：布丹

当时的画家，一般都在工作室中作画，而布丹则主张“走出去”，到户外作画。这样的画法直接影响了后来的“印象派”。如果布丹能将他的这一理念发扬光大，或者更直接地表达出来，那“印象派的创始人”这个称号可能就属于他了，但是他的贡献在于发掘了一个有才华的年轻人，并且将他的技法和理念倾囊相授。

莫奈在水面的表现上用了他独创的“色彩分割法”，意思就是不把颜料混合，而是一块块地直接涂到画布上。光这个水面上就有黑、蓝、白和黄绿四种颜色。虽然这种画法在当时来说是不可理喻的，但是只要站远一点看，会感觉水面似乎真的荡漾起来了。   

除了“色彩分割”，莫奈还发明了一种名叫“连作”的画法。顾名思义，就是对着一个相同的场景连续作画，来表现出不同的时间和季节……莫奈和时间赛跑的作画方式。他通常会一次性架好几块画布同时作画，阳光明媚时画这幅；突然有一片云飘过时再在那幅上添几笔。他就是要赶在景色变化前把眼前的一切画下来，可以说，就是一台“人肉照相机”。

人们总说莫奈爱画水、爱画雾、爱画蒸汽。看到这幅画，我有了一个想法：或许，他最爱画的是光！而他笔下的一切事物，都只是他用来表现光的“画布”而已。

6、雷诺阿

印象派最大的不同之处就是把画布直接戳到室外画画，眼睛看到什么就直接画下来，画完以后可能自己都会被吓到：“咦？原来阴影不是黑色的？！”

这是雷诺阿于1876年创作的《秋千》，可以看到画中完全没有黑色，阴影部分也都用深蓝色。

其实在现实中，阳光透过棕色树叶印在白色石子路上的颜色本来就不应该是黑色的。

相比之下雷诺阿的树林就给人一种阳光明媚的幸福感，看了会让我有种想出去走走的冲动。

《小艾琳》楚楚动人。

和其他的“印象派”比起来，雷诺阿还有一个最大的不同之处——他并不排斥古典主义。

他喜欢提香（Titian），也喜欢布歇（Boucher）。如果说，印象派注重的是“光与色彩”的表现，那古典派更看中的则是“形与轮廓”，其实两种画风各有所长。

可能你会问，那为何不把这两种形式合二为一呢？如果你真是这么想的，那我很高兴地告诉你：“你和雷老爷子想到一块儿去了！”

7、梵高：一个“家喻户晓”的画家

他足够独特。

一般画家分派的标准基本上就是根据以下三点：1. 这个画家的画风。2. 受到什么大师的影响。3. 所处的年代。

但是梵高画风难以捉摸，梵高所在的时代比印象派稍微晚一点儿，他又画过印象派，那么，就把他划入“后印象派”。实在难为了那些“分派”的学者。

小顾认为，把艺术家分成不同派系，其实就是为了让教授在上课时比较方便归纳总结。对于我们这些业余爱好者来说，大可不必那么纠结于派别。

如果硬要分，我觉得倒可以给梵高单独分一个派：癫狂派。艺术家都是疯狂的，但是和毕加索、马蒂斯那种故意作怪的画家不同，梵高的“怪”，是骨子里的怪，是在他的血液和骨髓里的。因为他本身就是个“神经病”（学名全称：癫痫+躁郁症+急性间歇性卟啉病+美尼尔氏病）。

梵高有个好弟弟，所以他一直没有饿死，并且能全身心投入绘画。

而他的创作热情则完全源于他对艺术单纯的梦想：“希望所有人都能看到我的画，并能够通过我的画感受我的内心。”

那么，梵高的画究竟有何特别之处呢？关于梵高绘画的一些介绍中，经常会出现一个词——“强烈”。

他的“强烈”首先源于他那厚重的笔触，那些颜料似乎不是用笔涂上去的，而是直接挤到画布上的。虽然很费颜料，但这种画法却能给人一种莫名其妙的立体感。他的“强烈”也体现在他的用色上。他总爱用蓝色+黄色，或红色+绿色之类的色彩搭配。并且他能很好地驾驭这些颜色。

一个成功的艺术家，一般都会具备以下几点：

1. 心中有一个最崇拜的画家：刚才提到过，梵高的“男神”是米勒。

2. 有一个被称为缪斯女神（muse）的情人。对于独一无二的梵高来说，根本不需要女神什么的给他带来灵感，因为，他有一样别的画家没有的东西——“精神病”。

3. 有几个志同道合的小伙伴：也是影响他一生的重要人物之一，保罗·高更（Paul Gaugin）

《向日葵》：梵高居然把自己的签名直接签在了花瓶上，估计会这样做的也只有梵高了。蓝色的签名配上黄色的花瓶，居然并不显得突兀，反而有点儿“点睛之笔”的味道。   

疾病，在一点点摧毁梵高的同时，也在将他骨子里的才华一点点逼出来。梵高在有生之年只卖掉了一幅画，就像唐·麦克林在《文森特》中的歌词唱的那样：

“人们不懂得如何爱你，但是你的爱却如此真实。也许这个世界本就不配拥有一个像你如此美丽的人。”

说到弟弟提奥，似乎他来到这个世界的使命就是为了帮助梵高完成梦想。

梵高人生中最重要的三个人：提奥让梵高不会饿死；高更帮梵高“打鸡血”；而乔安娜，则是让他作品发扬光大的人。

你可以不喜欢梵高的作品，但是，不可否认的是，他的作品确实有一种魔力，让人看过以后就会印在脑海中挥之不去…… 高更在离开黄色小屋的14年后，在他的笔记里写道：“我至今依然满脑子都是向日葵。”

【下一步行动】

1.学习伦勃朗的布光法。

2、学习大师画云朵的方法。

3、尝试和时间赛跑的画法，去大自然中写生。

【每日一句】

他的天赋绝对不止1%，然而他付出了99%，甚至更多的努力。